Música en el barroco

Música en el barroco

La música en el barrco es un estilo de música clásica europea entre 1600 y 1750. La época barroca siguió al período renacentista (aproximadamente 1400-1600) y precedió a la era clásica (1750-1820). El período del barroco se caracteriza por el desarrollo del contrapunto, período en el que la complejidad armónica creció junto con el énfasis en el contraste. En la ópera, el intererst fue transferido del recitativo a la aria, y en la música de la iglesia los contrastes de las voces del solo, del coro, y de la orquesta se desarrollaron a un alto grado. En la música instrumental el período vio surgir la sonata, la suite, y particularmente el concerto grosso, como en la música de Henry Purcell, Sebastian Bach, Claudio Monteverdi, Arcangelo Corelli,  Antonio Vivaldi y Fiedrich Handel. La mayoría de la música en el barroco  utiliza continuo. Obsérvese que los escritores del siglo XVIII usaron el barroco en un sentido peyorativo para significar "grosero" o "pasado de moda en el gusto".

Cuál es la esencia?
La música en el barroco expresa el orden, el orden fundamental del universo. Sin embargo, siempre es animado. La música refleja el estado de ánimo de los tiempos de ahora y siempre. Se recomienda seguir el desarrollo de la música a través de este breve esquema, desde los primeros tiempos hasta nuestros días, con música barroca en contexto histórico. 

¿Quién compuso música en el barroco?
Existieron varios compositores bien conocidos de la música del barroco, como Johann Sebastian Bach, Claudio Monteverdi, George Frideric Handel, Henry Purcell, Antonio Vivaldi, y muchos más.

¿Qué es el contrapunto?
El contrapunto describe 2 o más líneas independientes de música tocada simultáneamente, en otras palabras "nota contra la nota". El contrapunto alcanzó un alto nivel de desarrollo en la era barroca, especialmente la música de JS Bach.

¿Qué instrumentos se usaban en la música en el barroco?
Instrumentos de cuerda como el violín, viola, el laúd, contrabajo y violonchelo. Tambien se empleaban instrumentos de cobre como el cuerno y la trompeta. Los instrumentos de viento más populares eran el fagot, la la flauta, la flauta dulce y el oboe. La música barroca del teclado se compuso a menudo para el órgano o el clavicordio. Ocasionalmente, los compositores del barroco emplearon otros instrumentos únicos y menos conocidos que se han vuelto oscuros.



En términos generales, el período del barroco es cuando nació la orquesta, la ópera comenzó en gran manera y el concierto dio a los solistas la oportunidad de mostrarse de manera correcta. Desde los inicios del período de principios de 1600 hasta cuando el estilo clásico del período comenzó a tomar el control a mediados de 1700, el sonido del período barroco permaneció distinto - ordenado, adornado y cada vez más emotivo a medida que pasaba el período.

La viola (o viola da gamba) apareció por primera vez en España a finales del siglo XV. Los consortes de Viol eran muy populares en Inglaterra con compositores como William Byrd, Tobias Hume y Henry Purcell. Además, la viola fue empleada en grupos y orquestas de música de cámara hasta el siglo XVIII, donde fue cultivada entre la sociedad cortesana como instrumento solista. Compositores como Telemann, Marin Marais, Forqueray, Händel, Bach,y Cabel escribieron mucha música del barroco virtuosa para ello. Esta pieza es 'La Leclair' de Antoine Forqueray, quien fue un compositor y virtuoso que se decía que jugaba como el diablo. Dedicó esta pieza al famoso violinista barroco Jean-Marie Leclair.


El periodo barroco (1600-1750)
La transición del estilo musical renacentista al barroco comenzó a finales del siglo XVI. Los motetes policorales de la escuela veneciana, con dos o más coros independientes yuxtapuestos para explotar el resultante contraste de color, proporcionaron el semillero para la noción barroca de conflicto. Los compositores de la escuela veneciana también empleaban en su música a grandes músicos, incluyendo coros de instrumentistas. Esto condujo al desarrollo del estilo del concertato, en el cual el jugar de un solista o de un grupo pequeño de musicos fue contrastado con el del conjunto completo. Este estilo de composición llevó al desarrollo del concierto. El concierto, por supuesto, es una forma instrumental, y durante la época barroca, la música instrumental adquirió una prominencia mucho mayor que antes.

Un examen de los madrigales de Monteverdi, escrito durante 50 años, revela muchos de los cambios estilísticos que marcaron la transición del Renacimiento al Barroco. Los primeros madrigales de Monteverdi (escritos en 1587-1603) se componían al estilo del alto Renacimiento. Semejante en el carácter a las obras de Marenzio en su uso del cromatismo, comienzan sin embargo una partida del ideal de la igualdad de voces y movido hacia la noción barroca de la polaridad del soprano-bajo. En cambio, sus últimos cuatro libros de madrigales (escritos 1605-1638) incluyen secciones instrumentales independientes contrastadas con interludios corales (estilo concierto) y el uso creciente de bajo figurado.

Varios pares de términos contrastantes se han aplicado al "viejo estilo" de la música renacentista contra el "nuevo estilo" del barroco. Estilo antiguo y moderno es uno de estos pares. Otro, utilizado por Monteverdi, era en primera y segunda practicaEn la primera mitad del siglo XVII coexistieron los 2 estilos, con el estilo más antiguo empleado con mayor frecuencia en la música sacra, mientras que el nuevo estilo era evidente en la música secular, especialmente en las óperas del barroco temprano.


El texto era de extrema importancia para los compositores tanto del Renacimiento como de la música en el barroco. Sin embargo, la forma en que se abordó difería notablemente. El ideal renacentista era de varias líneas vocales independientes, cada una con sus propias inflexiones y acentuación. A principios y mediados del siglo XVII, la tendencia se alejó de este ideal polifónico, hacia la polaridad soprano-bajo, en la que se cantó una sola melodía y se tocó una línea de bajo interpretada por un instrumento o instrumentos de acompañamiento. A finales de la era barroca, en la primera mitad del siglo XVIII, la polifonía había vuelto a la popularidad. La polifonía del Barroco tardío difiere de la del Renacimiento: arraigada en armonía tonal y caracterizada por un ritmo de conducción enérgico, concebido métrica- mente.

La tradición de exigir la plena participación del artista intérprete o ejecutante en las decisiones relativas al tempo, la articulación, la ornamentación y otros asuntos continuó desde el Renacimiento hasta la época barroca. Se esperaba que los musicos de teclado presentados con una línea de bajo calculada "la realizasen", rellenando acordes, añadiendo adornos y adornando su juego. Se esperaba que los cantantes, en especial los solistas, improvisaran la ornamentación y la elaboración de una melodía encontrada en la partitura.

Aunque todos los cambios estilísticos mencionados aquí ocurrieron durante un período de décadas, el año 1600 es ampliamente aceptado como una fecha conveniente, aunque algo arbitraria, para marcar el final del Renacimiento y el comienzo del barroco. Debe también ser observado que muchos si no todos estos cambios están interrelacionados. Por ejemplo, el alejamiento de la textura polifónica hacia una melodía acompañada estaba estrechamente relacionado con el cambio de la modalidad hacia el sistema de llaves mayor menor y el uso del bajo figurado. La creciente importancia de las nuevas formas instrumentales surgió del empleo de partes instrumentales dependientes, en contraste con las secciones corales. El impacto total de todos estos cambios tomados juntos impulsó la música en el barroco hacia adelante en una nueva era.

Estilo barroco
La interpretación de la música coral barroca requiere vida y energía. Es música que está llena de emoción. En la música en el barroco tiende a existir unidad de emoción dentro de una sección determinada de una composición. Esto se deriva de la idea barroca de que un individuo es controlado por un solo efecto o emoción en un momento dado. Pero esto no significa que la música debe ser sin emoción. Una emoción más manifiesta puede ser exhibida en una pieza coral barroca que en la música del Renacimiento. Contraste en la emoción debe lograrse como una sección termina y otra comienza en un nuevo ritmo y con nuevas dinámicas.


La dinámica en terrazas, en la que se producen cambios dinámicos entre secciones de música (en oposición a los crescendos largos y decrescendos dentro de las secciones) es una característica musical típicamente barroca. Del mismo modo, el ritmo de una composición barroca debe ser constante dentro de cada sección de una obra. Se producen fuertes contrastes de tempo entre secciones.

El tono para ser usado en la música en el barroco es más grande y más dramática que lo que sería apropiado para un ajuste del siglo XVI del mismo texto. Un acercamiento más libre al vibrar junto con un rango dinámico más amplio ayuda distinguir los 2 estilos.

El uso de una orquesta para acompañar a la música coral barroca se suma a la variedad de colores disponibles y acentúa la necesidad de que los miembros del coro canten con calidez y proyección. Como era el caso en el Renacimiento, era bastante común y se aceptaba doblar las líneas vocales en una composición con instrumentos. En el período barroco, además de la dobladura instrumental, las composiciones también contuvieron típicamente un acompañamiento orquestal independiente, pidiendo a menudo cadenas, trompetas, oboes, y un instrumento del teclado proporcionando el continuo.

La música en el barroco coral tiende a ser "instrumental" en la concepción. Esta música se caracteriza por impulsar ritmos punteados, y debe ser infundido con vida, energía y un sentido de propulsión. Las secciones más lentas deben ser claramente contrastantes.