La música en el barrco es un estilo de música
clásica europea entre 1600 y 1750. La época barroca siguió al período
renacentista (aproximadamente 1400-1600) y precedió a la era clásica
(1750-1820). El período del barroco se caracteriza por el desarrollo del
contrapunto, período en el que la complejidad armónica creció junto con el
énfasis en el contraste. En la ópera, el intererst fue transferido del
recitativo a la aria, y en la música de la iglesia los contrastes de las voces
del solo, del coro, y de la orquesta se desarrollaron a un alto grado. En
la música instrumental el período vio surgir la sonata, la suite, y
particularmente el concerto grosso, como en la música de Henry Purcell, Sebastian Bach, Claudio Monteverdi, Arcangelo
Corelli, Antonio Vivaldi y Fiedrich Handel. La mayoría de la música
en el barroco utiliza continuo. Obsérvese que los escritores del
siglo XVIII usaron el barroco en un sentido peyorativo para significar
"grosero" o "pasado de moda en el gusto".
Cuál es la esencia?
La música en el barroco expresa el orden, el orden
fundamental del universo. Sin embargo, siempre es animado. La música
refleja el estado de ánimo de los tiempos de ahora y siempre. Se recomienda
seguir el desarrollo de la música a través de este breve esquema, desde
los primeros tiempos hasta nuestros días, con música barroca en contexto
histórico.
¿Quién compuso música en el
barroco?
Existieron varios compositores bien conocidos de la
música del barroco, como Johann Sebastian Bach, Claudio Monteverdi, George
Frideric Handel, Henry Purcell, Antonio Vivaldi, y muchos más.
¿Qué es el contrapunto?
El contrapunto describe 2 o más líneas
independientes de música tocada simultáneamente, en otras palabras "nota
contra la nota". El contrapunto alcanzó un alto nivel de desarrollo
en la era barroca, especialmente la música de JS Bach.
¿Qué instrumentos se usaban en la
música en el barroco?
Instrumentos de cuerda como el violín, viola, el
laúd, contrabajo y violonchelo. Tambien se empleaban instrumentos de cobre como
el cuerno y la trompeta. Los instrumentos de viento más populares eran el
fagot, la la flauta, la flauta dulce y el oboe. La música barroca del
teclado se compuso a menudo para el órgano o el
clavicordio. Ocasionalmente, los compositores del barroco emplearon otros
instrumentos únicos y menos conocidos que se han vuelto oscuros.
En términos generales, el período del barroco es
cuando nació la orquesta, la ópera comenzó en gran manera y el concierto dio a
los solistas la oportunidad de mostrarse de manera correcta. Desde los
inicios del período de principios de 1600 hasta cuando el estilo clásico del
período comenzó a tomar el control a mediados de 1700, el sonido del período
barroco permaneció distinto - ordenado, adornado y cada vez más emotivo a
medida que pasaba el período.
La viola
(o viola da gamba) apareció por primera vez en España a finales del siglo
XV. Los consortes de Viol eran muy populares en Inglaterra con
compositores como William Byrd, Tobias Hume y Henry Purcell. Además, la
viola fue empleada en grupos y orquestas de música de cámara hasta el siglo
XVIII, donde fue cultivada entre la sociedad cortesana como instrumento
solista. Compositores como Telemann, Marin Marais, Forqueray, Händel,
Bach,y Cabel escribieron mucha música del barroco virtuosa para ello. Esta
pieza es 'La Leclair' de Antoine Forqueray, quien fue un compositor y virtuoso
que se decía que jugaba como el diablo. Dedicó esta pieza al famoso
violinista barroco Jean-Marie Leclair.
El periodo barroco (1600-1750)
La transición del estilo musical renacentista al
barroco comenzó a finales del siglo XVI. Los motetes policorales de la
escuela veneciana, con dos o más coros independientes yuxtapuestos para
explotar el resultante contraste de color, proporcionaron el semillero para la
noción barroca de conflicto. Los compositores de la escuela veneciana
también empleaban en su música a grandes músicos, incluyendo coros de
instrumentistas. Esto condujo al desarrollo del estilo del concertato, en
el cual el jugar de un solista o de un grupo pequeño de musicos fue contrastado
con el del conjunto completo. Este estilo de composición llevó al
desarrollo del concierto. El concierto, por supuesto, es una forma
instrumental, y durante la época barroca, la música instrumental adquirió una
prominencia mucho mayor que antes.
Un examen de los madrigales de Monteverdi, escrito
durante 50 años, revela muchos de los cambios estilísticos que marcaron la
transición del Renacimiento al Barroco. Los primeros madrigales de
Monteverdi (escritos en 1587-1603) se componían al estilo del alto Renacimiento. Semejante
en el carácter a las obras de Marenzio en su uso del cromatismo, comienzan sin
embargo una partida del ideal de la igualdad de voces y movido hacia la noción
barroca de la polaridad del soprano-bajo. En cambio, sus últimos cuatro
libros de madrigales (escritos 1605-1638) incluyen secciones instrumentales
independientes contrastadas con interludios corales (estilo concierto) y el uso
creciente de bajo figurado.
Varios pares de términos contrastantes se han
aplicado al "viejo estilo" de la música renacentista contra el
"nuevo estilo" del barroco. Estilo antiguo
y moderno es uno de estos pares. Otro, utilizado por
Monteverdi, era en primera y segunda practica. En
la primera mitad del siglo XVII coexistieron los 2 estilos, con el estilo más
antiguo empleado con mayor frecuencia en la música sacra, mientras que el nuevo
estilo era evidente en la música secular, especialmente en las óperas del
barroco temprano.
El texto era de extrema importancia para los
compositores tanto del Renacimiento como de la música en el
barroco. Sin embargo, la forma en que se abordó difería
notablemente. El ideal renacentista era de varias líneas vocales
independientes, cada una con sus propias inflexiones y acentuación. A
principios y mediados del siglo XVII, la tendencia se alejó de este ideal
polifónico, hacia la polaridad soprano-bajo, en la que se cantó una sola
melodía y se tocó una línea de bajo interpretada por un instrumento o
instrumentos de acompañamiento. A finales de la era barroca, en la primera
mitad del siglo XVIII, la polifonía había vuelto a la popularidad. La
polifonía del Barroco tardío difiere de la del Renacimiento: arraigada en
armonía tonal y caracterizada por un ritmo de conducción enérgico, concebido
métrica- mente.
La tradición de exigir la plena participación del
artista intérprete o ejecutante en las decisiones relativas al tempo, la
articulación, la ornamentación y otros asuntos continuó desde el Renacimiento
hasta la época barroca. Se esperaba que los musicos de teclado presentados
con una línea de bajo calculada "la realizasen", rellenando acordes,
añadiendo adornos y adornando su juego. Se esperaba que los cantantes, en
especial los solistas, improvisaran la ornamentación y la elaboración de una
melodía encontrada en la partitura.
Aunque todos los cambios estilísticos mencionados
aquí ocurrieron durante un período de décadas, el año 1600 es ampliamente
aceptado como una fecha conveniente, aunque algo arbitraria, para marcar el
final del Renacimiento y el comienzo del barroco. Debe también ser
observado que muchos si no todos estos cambios están
interrelacionados. Por ejemplo, el alejamiento de la textura polifónica
hacia una melodía acompañada estaba estrechamente relacionado con el cambio de
la modalidad hacia el sistema de llaves mayor menor y el uso del bajo
figurado. La creciente importancia de las nuevas formas instrumentales
surgió del empleo de partes instrumentales dependientes, en contraste con las
secciones corales. El impacto total de todos estos cambios tomados
juntos impulsó la música en el barroco hacia adelante en una nueva era.
Estilo barroco
La interpretación de la música coral barroca
requiere vida y energía. Es música que está llena de emoción. En
la música en el barroco tiende a existir unidad de emoción dentro de una sección
determinada de una composición. Esto se deriva de la idea barroca de
que un individuo es controlado por un solo efecto o emoción en un momento
dado. Pero esto no significa que la música debe ser sin emoción. Una
emoción más manifiesta puede ser exhibida en una pieza coral barroca que en la
música del Renacimiento. Contraste en la emoción debe lograrse como una
sección termina y otra comienza en un nuevo ritmo y con nuevas dinámicas.
La dinámica en terrazas, en la que se producen
cambios dinámicos entre secciones de música (en oposición a los crescendos
largos y decrescendos dentro de las secciones) es una característica musical
típicamente barroca. Del mismo modo, el ritmo de una composición barroca
debe ser constante dentro de cada sección de una obra. Se producen fuertes
contrastes de tempo entre secciones.
El tono para ser usado en la música en el
barroco es más grande y más dramática que lo que sería apropiado para un ajuste
del siglo XVI del mismo texto. Un acercamiento más libre al vibrar junto con
un rango dinámico más amplio ayuda distinguir los 2 estilos.
El uso de una orquesta para acompañar a la música
coral barroca se suma a la variedad de colores disponibles y acentúa la
necesidad de que los miembros del coro canten con calidez y proyección. Como
era el caso en el Renacimiento, era bastante común y se aceptaba doblar las
líneas vocales en una composición con instrumentos. En el período barroco,
además de la dobladura instrumental, las composiciones también contuvieron
típicamente un acompañamiento orquestal independiente, pidiendo a menudo
cadenas, trompetas, oboes, y un instrumento del teclado proporcionando el
continuo.
La música en el barroco coral tiende a ser
"instrumental" en la concepción. Esta música se caracteriza por
impulsar ritmos punteados, y debe ser infundido con vida, energía y un sentido
de propulsión. Las secciones más lentas deben ser claramente
contrastantes.
